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한국 현대무용단 LDP 이탈리아밀라노를 넘다

만남으로 관점의 교차를 경험하다   한국예술종합학교 출신 현대무용가를 주축으로 한 LDP(Laboratory Dance Project)가 밀라노 엘포 푸치니 극장(Teatro Elfo Puccini)에서 열린 무용축제 ‘밀라놀트레(MILANoLTRE)’에 참가했다. 밀라놀트레는 밀라노(Milano)와 올트레(Oltre)의 합성어로 ‘밀라노를 넘어’라는 의미다. 밀라노의 빛나는 발레 역사에 빗댄다면 ‘스칼라 극장의 고전을 넘어’로 까지 의미를 부여할 수 있는 현대무용 축제다. 엘포 푸치니 극장에는 공연장 세 개가 있는데, 대극장은 ‘셰익스피어’, 중극장은 ‘파스빈더’, 소극장은 ‘바우쉬’로, 연극·영화·무용의 대가들을 떠올리게 한다. LDP가 선보인 6일간의 데뷔무대  제32회 밀라놀트레는 9월 17일부터 10월 14일까지 진행되었고, LDP는 셰익스피어 홀에서 장장 6일간 공연했다. 9월 27·28일은 ‘룩 룩(Look Look)’과 ‘노 코멘트(No Comment)’, 29·30일에는 ‘바우(Bow)’, 10월 1·2일에는 ‘노 필름(No Film)’과 ‘노 코멘트’가 무대에 올랐다. LDP 레퍼토리는 기교적인 측면을 강조하는 공통점이 있으나 각 작품의 개성은 뚜렷한 편이다. 밀라노 관객은 서울보다 연령대가 높았고, 작품 감상의 연륜도 깊어 보였다. 특히 로비에서 예술가들을 기다렸다가 감동을 전하고 감사하는 모습이 인상적이었다.  김동규 작 ‘룩 룩’은 화려한 문양의 의상 덕에 올해 밀라놀트레 포스터 모델로도 빛을 발했다. 의상은 요란하지만 정작 얼굴은 천으로 가린 군무가 객석을 누비며 누군가를 집중적으로 쳐다보는 해프닝이 익명성의 용기를 강조한다. 요란한 굉음, 규칙적 박자, 손가락을 던지는 리듬감, 반복적인 행진, 상처를 주고받는 이미지 등이 줄곧 ‘보기(look)’를 강조한다. 전 출연진이 중앙에 모여 질주할 때 관객은 그들 가운데 자신의 모습을 대입시키고, 땀에 젖은 얼굴이 드러나는 마지막 장면에 ‘어떻게 보이는가’에 대한 안무가의 고민을 나눠 갖는다. 신창호의 ‘노 코멘트’는 전쟁을 다룬 텔레비전 프로그램에서 영감을 얻은 작품으로 2002년에 초연하여 가장 많은 초청공연을 기록했다. LDP의 특징을 확정한 작품으로 남성 출연진 10명에게 폭발적인 에너지를 요구하고 그 탁월함을 즐긴다. 군무가 발을 구르고, 물구나무서기로 이동하고, 격렬하게 몸을 치고 흔들며 전진과 후진을 반복한다. 분위기를 누르는 암전과 다시 절정을 향하는 몸짓의 활력이 충돌하는 구도다. 전 출연진이 객석을 활보할 때 관객의 호응도가 절정에 달하며, 이번에도 같은 광경을 연출했다. 전미숙의 ‘바우’는 영국·독일·한국·스위스 등지에서 여러 차례 개작을 거쳤다. 이번 축제에서는 67분간 단독 공연했는데, 안무가의 섬세하고 전문적인 재능이 돋보였다. 서양 노인의 모습이 연상되는 가면을 착용한 출연자가 돗자리 앞에서 절을 하고, 잔걸음으로 빠르게 이동하는 소녀가 그와 대무한다. 차를 마시고, 돗자리를 굴려 접거나 펴고, 두 손 모아 공손히 인사하고, 부채로 얼굴을 가리고, 부채를 활짝 펼치며 날고, 걷다가 살짝 뛰어 앉으면 큰절 자세가 만들어진다. 제사·혼례·사교, 심지어는 인생이나 죽음에 대한 상념까지도 불러일으키는 동작의 이미지가 무용 예술의 힘을 느끼게 만든다. 아크람 칸 무용단에서 다년간 활동한 김성훈의 ‘노 필름’은 독재자 이야기다. 무대 색감을 흑백영화처럼 단순화시키고, 히틀러의 육성과 환호하는 민중의 반응을 그대로 들려주며 과거의 한순간에 집중한다. 하지만 안무자는 그 장면이 현실일 수 있다는데 방점을 두었다. 한 남자의 폭력을 강조하고, 군무가 일상복이나 군복으로 등장해 순응과 항거 분위기를 전개 시킨다. 흰 바닥에 검정 물감을 쏟아 그 위에서 고통을 겪는 패배한 독재자의 모습으로 마무리하며 ‘노 필름’으로 명명했다. 드라마와 절도 있는 기교가 균형을 이룬 전개다.   파스빈더에서 펼쳐진 두 개의 이야기 중극장 파스빈더에서는 같은 기간에 두 개의 공연이 있었다. 솔로 ‘나’는 기억이다(‘I’ Is Memory)’를 공연한 루이즈 르카발리에는 아마도 올 축제에서 가장 주목받은 무용가 중 하나일 것이다. 캐나다 무용단 ‘라라라 휴먼 스텝스’ 영상으로 한국에 널리 알려진 그녀가 환갑을 맞이해 등장한 무대는 경이로움과 감동의 대상이었다. 18세에 직업단체에 입단한, 아마존의 여전사를 연상시키던 그녀의 공중 도약은 전무후무한 활력을 과시했었다. 이번 작품은 브누아 라샹브르와 루이즈 르카발리에가 2006년 공동 안무했다. 한 평론가는 “내면의 충동이 뼈·근육·장기·관절 같은 신체 전체를 움직인다. 변형으로 가득한 준명상적인 춤”이라고 묘사했다. 2006년 현대무용단 푸 글로리외(Fou Glorieux)를 창단해 현재까지 깊이 있는 움직임 연구를 선도하고 있다는 평가를 받고 있다. 의자 하나와 그 뒤에 놓인 바를 활용한 느리고 집요한 동작 전개는 그녀의 몸이 곧 기억임을, 몸과 함께 생존하는 예술이 곧 무용임을 설명했다. 그녀의 최근 수상 경력이 화려해 놀랐고, 극장을 찾은 캐나다 공무원들의 공개적 축사에 더욱 놀랐다. 또 다른 안무가 안토니오 몬타닐은 카롤린 칼송의 격려로 안무 작업을 시작했다고 하며, 아카데믹한 기교보다는 일상적이고 충동적인 움직임을 구사했다. ‘빔비(Bimb(y)i)’는 인간처럼 변해가는 부엌 로봇을 연상시키는 희극적 작품이고, ‘세도 알루사르미(Cedo all’usarmi)’는 조명과 인체의 접촉과정을 강조했다….

국립현대무용단 ‘쓰리 스트라빈스키’

안성수, 정영두, 김재덕과 코리안심포니. 그의 음악에서 춤을 깨운다. 2017년 안성수 예술감독 취임 이후 국립현대무용단은 음악과 함께 진화 중이다. 취임 후 첫 신작인 ‘제전악-장미의 잔상’(2017년 7월)은 창작국악과 함께 했다. 이를 위해 작곡가 라예송은 새로운 국악을 빚었다. 안무가 로렁스 야디와 니꼴라 껑띠용을 초빙하여 만든 ‘슈팅스타’(2017년 11월)에서는 거문고를 중심으로 한 월드뮤직 그룹 블랙스트링이 함께 했다. ‘스윙’(2018년 4월)에서는 스웨덴 스윙재즈밴드 젠틀맨 앤 갱스터즈와 함께 했다. 무대에는 무용가와 음악가들이 공존했고, 연주와 안무가 몸을 섞었다. 음악의 뼈대를 올곧이 드러내며, 춤의 살을 붙이는 작업으로 일관해온 안성수의 전력이 무용단의 기획력으로 녹아들어간 것이다. 지난 9월, 라벨의 ‘볼레로’를 놓고 김용걸, 김보람, 김설진이 함께 한 ‘쓰리 볼레로’를 지나 국립현대무용단은 11월에 ‘쓰리 스트라빈스키’를 선보인다. 스트라빈스키의 세 곡에 맞춰 세 안무가 함께 하는 형식으로, 안성수는 ‘봄의 제전’, 정영두는 ‘심포니 인 C’, 김재덕은 ‘아곤’를 선보인다. 음악도 정치용 예술감독과 코리안심포니 오케스트라가 무대에 올라 무용과 함께 실연이다. 국립현대무용단과 코리안심포니의 만남은 이번이 두 번째다. 존 애덤스의 ‘셰이커 룹스’이라는 동일한 음악을 놓고 이해준과 정수동이 각기 다른 선보였던 ‘오케코레오그래피’ 이후 2년 만이다.   안성수의 첨예, 김재덕의 경쟁, 정영두의 자유 이고르 스트라빈스키(1882~1971). 그는 바흐나 헨델처럼 자신의 작품을 ‘춤곡’이라 명명하지 않았다. 하지만 어느 순간부터 우리는 그를 ‘춤의 작곡가’로 기억한다. 1910년 파리오페라극장에서 초연한 출세작 ‘불새’부터 마지막 발레음악이라 할 수 있는 1957년 초연작 ‘아곤’에 이르기까지, 춤의 음악을 빚던 이 시기에 대해 본인 스스로도 “다른 그 어느 때보다 세 배나 많은 음악적 에너지로 가득 차 있다”라고 한다. 그의 고향도 마린스키 발레가 있는 상트페테르부르크이다. 춤의 지기(地氣)를 받고 태어났던 것이다.  안성수는 ‘봄의 제전’을 선보인다. 1913년 5월의 밤, 파리 샹젤리제 극장에서 가득 찬 관객들의 야유와 소동 속에서 태어난 곡이다. 사실 그 소동은 음악에 대한 반응이었다기보다는 발레에 대한 통념을 뒤엎은 니진스키(1890~1950)의 안짱다리 위주의 파격적인 안무가 야기한 관객들의 거부감과 혼란이었다. 그런 결과를 뻔히 내다보고서 공연을 강행한 디아길레프(1872~1929)의 흥행 전략도 녹아 있다. 스트라빈스키의 무용음악에는 복잡다단하고 강렬한 리듬이 두드러진다. 5박자, 7박자, 11박자 등 스트라빈스키 이전에는 자주 사용되지 않은 변박들이다. ‘봄의 제전’에서 해방된 리듬은 온갖 기묘하고 복잡한 형태로 감정의 가장 원초적인 영역을 사정없이 두들긴다. 여러 악기로 형성된 육중한 오케스트라는 ‘초대형 타악기’가 되는 것이다. 여기에 소리와 박자를 ‘중첩’한 특징도 도드라진다. 악보에 ‘현자의 행차’라고 적혀 있는 대목의 클라이맥스에선 서로 다른 두 가지 리듬 패턴이 중첩되어, 소리들은 서로 몸을 섞으며 협화음으로, 또 서로 밀어내며 불협화음을 만든다. 안성수는 학창 시절에 ‘봄의 제전’을 처음 접했다. 음악이 준 충격이 커서 찾아보니 유명 안무가의 작품영상이 나왔는데, 그 때에도 “음악이 너무 좋아서 작품이 별로 보이지 않았다”고 한다. 이번 안무작에는 ‘봄의 제전’의 음악적 특징이 잘 드러나도록 춤과의 결구를 치밀하게 끼워 맞을 예정. 즉, “음악에서 느껴지는 관념에 기대기보단 음악이 춤으로 하여금 눈에 보이게 하는 작품이 될 것”이라고 한다. 김재덕은 ‘아곤’을 맡았다. ‘아곤’이란 고대 그리스어로 갈등, 대결, 경기 등을 뜻한다. 이 음악은 1957년에 발란신(1904~1983)의 안무로 뉴욕 시티발레단이 초연하였다. 표제의 특징은 음악에 잘 잘 배어 있다. 그래서 하나의 ‘오케스트라’이지만, 청각의 초점을 맞춰보면 그냥 ‘여러 악기가 한 자리에서 연주한다’라는 표현이 적합할 정도로 악기들의 대비와 갈등이 돋보인다. 이러한 음악적 특징에 맞춰 김재덕도 ‘아곤’적인 질문으로 춤의 재료를 모았다고 한다. “살다보면 두 사람이 만나는 때가 있을 텐데, 이땐 어떻게 해야 할까? 우리 둘은 항상 같이 가야 할까? 좁은 길에서 우리는 어떻게 해야 할까?”라는 질문들을. 안성수와 김재덕에 비해 ‘심포니 인 C’를 맡은 정영두는 보다 자유롭다. ‘C조 교향곡’ 혹은 ‘심포니 인 C’라 불리는 이 음악은 1940년, 스트라빈스키의 지휘로 시카고에서 초연되었다. 4개의 악장으로 1악장은 드라마틱한 전개, 2악장은 서정적인 명상, 3악장의 활기, 4악장 힘찬 집약과 해결이 돋보인다. 춤의 작곡가였던 스트라빈스키가 ‘발레음악을 너무 작곡하여 이젠 음악만을 위한 곡을 남겨야지’라는 생각으로 작곡한 작품인 만큼, 음악은 춤과 거리를 두려 한다. 하지만 그 ‘거리’는 정영두에게 상상력이 자유롭게 움직일 수 있는 간극으로 다가갔다. 그는 “무용수들은 무대 위에서 음악으로 빚어낸 춤의 정경을 펼치고, 관객들은 그것을 통해 마음껏 자신만의 정경을 상상하고 즐기게 될 것”이라 한다. 이와 함께 “메시지가 없을 때에도 느낄 수 있는 즐거움”도 안무작 ‘심포니 인 C’의 특징이다. 국내에서 실연으로 접하기 힘든 ‘아곤’과 ‘심포니 인 C’을 실연으로 감상할 수 있는 것도 이번 공연만의 특징이다.   스트라빈스키가 주는 춤의 상상력 전설적인 발레리나 플리세츠카야(1925~2015)는 무용가들에게 “무대에서 움직일 때 음악과 함께하라. 음악을 들어라. 음악은 무용수에게 정말 많은 것을 준다”는 명언을 남겼다. 그 음악이 무엇인지는 모르겠으나, 스트라빈스키의 음악은 분명 그것에 포함될 것이다. 그의 음악에는 ‘춤’이 담겨있다기보다는 ‘춤적인 것’으로 향하게 하는 의지가 담겨 있기 때문이다. 그래서 ‘심포니 인 C’처럼 춤을 위해 태어난 작품이 아님에도 불구하고 안무가들은 창작품의 중요한 ‘소리부품’으로 스트라빈스키의 음악을 사용하는 게 아닐까. 박자와 엇박자 사이에서 태어나는 새로운 리듬감, 협화음과 불협화음 사이에서 돋아나는 묘한 중첩의 레이어. 이 소리의 조각들은, 움직임과 춤 사이, 춤언어와 일상의 몸짓 사이에서 새로움 춤언어를 발견하려는 안무가들의 상상력에 불을 붙이기 때문이다. 글 송현민(음악평론가) 사진 국립현대무용단 국립현대무용단 ‘쓰리 스트라빈스키’ …

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