REVIEW | 기자들의 공연 관람 후기
Editor’s Note
모든 것이 공허해진 노동자가 흘리는 눈물
연극 ‘라크리마’
10월 2·3일 성남아트센터 오페라하우스
공허하면서도 흔들리는 눈빛으로 영상을 남기는 한 여성. 다급한 기색의 여성은 이내 쓰러지고, 무대는 아수라장이 된다. 프랑스 스트라스부르 국립극장 예술감독이자 극작·연출가인 캐롤린 기엘라 응우옌(1981~)의 연극 ‘라크리마(Lacrima)’는 그렇게 한국 초연 무대의 막을 올렸다.(10월 2일 관람)
영국 공주의 웨딩드레스 제작을 위해 파리의 고급 의상실 ‘메종 벨리아나’ 작업자들은 고양된 분위기 속에서 움직인다. 하지만 이 극비 프로젝트의 수석 책임자 마리옹과 그녀 주변의 삶은 망가지고 있었다. 딸은 문제 행동을 일삼았고, 남편은 그녀의 외도를 의심했다. 주변에서 “정말 중요한 것이 무엇인지 보라” 외쳐도, 어느새 맹목적으로 변한 노동은 그녀를 짓눌렀다. 지나친 책임감이 화를 부른 것일까. 결국 공주의 베일은 망가져 버렸다.
과연 이 모든 것은 한 사람의 욕심이 부른 문제였을까? 뭄바이 자수 공방 ‘메종 샤이나’의 장인 압둘은 딸에게 보낼 용돈을 벌기 위해 쉼 없이 일하다 끝내 시력을 잃을 위기에 처한다. 그러나 그를 고용한 회사는 공방 디렉터 마노즈에게 ‘윤리 규정’을 내세우며 대체 인력을 요구하고, 이 순간 관객은 하청 감독자에게서 불필요한 죄책감을 읽는다.
응우옌은 이렇듯 거대한 노동 시스템의 부조리를, 부품처럼 쓰이는 한 개인의 삶이 무너져 가는 과정을 통해 드러낸다. 약 3시간에 달하는 공연을 관통하는 것은 마리옹의 삶에 스며드는 압박감과 끊임없이 귀를 두드리는 심장박동 소리다. 영상으로 연결된 세 작업장 파리·알랑송·뭄바이의 시간은 동시에 흘렀고, 누군가의 삶이 망가지는 동안에도 노동자들의 손은 멈추지 않았다. 우여곡절 끝에 전달된 드레스는 ‘해가 지지 않는 나라’ 영국 공주의 결혼식에서 겨우 27분간 등장하며 허탈함을 증폭시켰다.
“숨 쉬어.” 무대 전환을 위해 약 3분의 시간이 주어졌고, 안내 화면에는 오직 한 문장만이 번쩍였다. 인터미션으로 여겨질 법한 시간에도 여전히 영상 속 작업자들은 자수를 놓았고, 관객들 또한 잠시나마 호흡을 고를 여유를 허락받지 못했다. 이 모든 장면은 극도의 생산성과 효율성을 추구하는 과정에서 따라붙은 ‘과로 국가’의 오명이 여전히 일상을 지배하는 극장 밖의 현실을 떠올리게 했다. 그들은 무엇을 얻기 위해 한계를 넘어선 노동에 자신을 바친 것일까? 그 답을 찾기도 전에 텅 비어버린 누군가가 흘리는 ‘눈물’, 그것이 이 작품의 제목인 ‘라크리마’였다.
글 장지현 기자 사진 성남아트센터
사랑도 멈추게 하지 못한 죽음
국립발레단 ‘지젤’
10월 13~18일 예술의전당 오페라극장
이미 숨이 끊어진 처녀들은 무덤에서 일어나 하얀 드레스를 입고 춤을 춘다. 그렇게 숲속을 떠돌다 길 잃은 남자를 만나면 지쳐 죽을 때까지 춤을 추게 한다. 이 섬뜩한 전설에 마음을 빼앗긴 19세기 프랑스 시인 테오필 고티에가 이를 무대 위로 불러낼 궁리를 시작했고, 그렇게 1841년, 낭만 발레의 걸작 ‘지젤’이 탄생했다.
국립발레단의 ‘지젤’은 장 코랄리와 쥘 페로의 원안무를 파트리스 바르(1945~2025)가 재안무한 버전으로, 2011년 국립발레단 초연 이후 레퍼토리로 확실히 자리매김했다. 특히 이번 무대는 김주원 단장 겸 예술감독 취임 후 첫 서울 전막공연이라는 점에서 각별했다.(16일 관람) ‘지젤’의 묘미는 두 막의 극명한 대비다.
포도 수확을 앞둔 시골 마을, 소녀 지젤의 심장은 귀족 알브레히트와 사랑으로 경쾌하게 뛴다. 꽃잎으로 사랑을 점치는 행동 등 초연 당시의 ‘발레 판토마임’적 요소가 두드러졌다. 1막의 정점은 알브레히트의 배신을 깨달은 지젤의 ‘광란의 장면’. 이성을 잃은 지젤은 사랑의 기억을 되짚다가 끝내 숨을 거둔다. 무용수 안수연은 설렘에서 절망으로 치닫는 감정의 낙차를 흐트러지는 몸짓과 시선으로 표현했다. 막간이 지나고 달빛 어린 묘지에서 시작되는 2막. 새하얀 튀튀를 입고 발끝으로 미끄러지듯 나아가는 윌리들의 군무, 이른바 ‘발레 블랑’은 비현실적 아름다움의 극치였다. 죽은 지젤의 무덤을 찾아온 알브레히트도 윌리들의 여왕 미르타에게 붙잡혀 죽을 때까지 춤춰야 하는 운명에 놓인다. 그러나 윌리가 된 지젤은 자신을 배신한 연인을 지키기 위해 다시 춤춘다. 1막의 춤이 사랑을 향한 맹세였다면, 2막은 연인을 살리려는 필사의 구원이다. 다만 뜻밖의 변수로 당일 공연 2막 도중 안수연이 부상으로 하차하면서, 당초 ‘두 윌리’ 역이던 엄나윤이 지젤을 대신했다. 마침내 새벽 종소리가 울려 윌리들은 사라지고, 알브레히트만 지젤의 무덤 앞에 남았다. 배신한 연인을 죽음에서 구했지만, 그렇다고 잃어버린 삶을 되찾거나 두 사람의 사랑이 회복되는 것은 아니다. 그럼에도 지젤은 자신이 겪은 불행을 또 다른 죽음으로 되갚지 않는다. 자신에게 상처를 준 사람의 삶까지 지켜낸다는 것. 어쩌면 ‘지젤’이 보여주는 가장 어려운 춤은 화려한 도약도, 중력을 거스르는 듯한 발끝의 움직임도 아닌 용서라는 선택인지 모르겠다.
글 유내리 기자 사진 국립발레단
CLASSICAL MUSIC
엘리자베트 레온스카야 피아노 독주회
시간의 흔적마다 음악이 되는 순간
10월 3일 오후 5시 성남아트센터 콘서트홀
이번 공연의 첫 곡인 슈베르트 피아노 소나타 17번 1악장에서 여전히 활동적이고 역동적인 레온스카야(1945~)의 ‘현재’를 만났다. 주선율뿐 아니라 함께 연주되는 장식 같은 선율들이 귀에 들어왔다. 햇빛을 받아 반짝이며 흘러가는 물 같은 자연스러움이 있었다. 가끔씩 단호했으나 대개 자유로운 표정이 유지됐다. 어둑어둑해지는 부분은 강했지만 억지스럽지 않았다. 노년의 노래가 반짝이며 거기 있었다. 막판에 빠른 템포로 처리하는 부분도 인상적이었다.
2악장은 관조적이고 회고적이었다. 주마등처럼 과거가 스쳐갔다. 느긋하고 부드러운 터치는 건반을 억압하지 않고 다독였다. 꿈을 꾸듯 은근했고 두터운 부분도 투명했다. 그때는 몰랐지만 지나보면 알게 되는 어머니의 뒤안길이 이러한 정감을 띠고 있을지도 모를 일이다. 꿈과 무의식의 세계인 듯 노니는 고음이 반짝였다. 느린 템포로 천천히 하강하는 풍경이었다.
3악장에서는 고음의 아름다움이 천천히 빛나며 주변 공기마저 귀중하게 변하는 듯했다. 느린 템포의 드라마가 천천히 객석까지 전달되었고 연주에서는 미스터리도 피어났다. 4악장은 활력과 생동감으로 문을 활짝 열었다. 묵직한 질감이 건반에서 뿜어져 나왔다. 속주에서의 활기도 새로웠다. 어둑해진 부분은 강렬했다. 밝고 활기찬 피날레에서 레온스카야의 고음은 종소리처럼 울렸다.
2부는 쇼팽의 작품으로 꾸며졌다. 스케르초 1번에서 레온스카야의 첫 음이 상쾌하게 부서지고 둔중한 무게감이 이어졌다. 강주와 약주 사이 부드러운 실타래 같은 피아노 음이 익숙한 곡의 곳곳을 짚어주었다. 서정적인 부분은 느리게 꿈꾸듯 연주했다. 쓸쓸함과 따스함이 찬 물과 뜨거운 물처럼 동시에 밀려와 합류했다. 레온스카야의 연주는 예리하게 가슴을 저미는 부분에서도 자애로움을 잃지 않았다. 피날레의 다이내믹은 앞부분이 잊힐 만큼 강렬했다.
이어진 녹턴 3번에서 레온스카야의 피아노가 만들어내는 음색은 입자가 단단하지 않고 유동적인 무른 질감으로 다가왔다, 두텁고 어둑어둑해지는 부분에서 강렬한 에너지가 눈에 띄었다. 음에서 음으로 이어가는 연결음이 깨끗하고 영롱했다.
소나타 3번의 첫 인상은 이 곡의 다른 연주들에 비해 확실히 선이 두껍고 아름답게 노래된다는 점이었다. 짧은 2악장은 일필휘지였다. 중간의 트리오는 깊고 그늘져 있었다. 3악장에서는 레온스카야만이 줄 수 있는 맑고 느린 위로를 느꼈다. 우아함과 고요함이 객석으로 내려앉았다. 여운이 끝나기도 전에 4악장이 시작됐다. 비교적 빠른 템포에 유난히 흐름이 끊기고 미스터치가 눈에 띄었다. 고음과 하강음형의 속주에서도 매끄럽지 못한 부분이 이어졌다. 세월의 흔적이랄까, 더디고 굼뜬 노년의 일상처럼 빠르게 제자리를 찾지는 못했지만 그가 혼신의 힘을 다 해 작품을 궤도에 올려놓으려고 한다는 걸 잘 알 수 있었다.
앙코르 첫 곡은 모차르트 소나타 K545 중 2악장 안단테. 해맑은 동심과 그간의 세월이 교차하며 그 짧은 순간에 숱한 기억을 소환하는 듯한 느낌이었다. 두 번째 앙코르는 드뷔시 전주곡 2권 중 마지막 곡 ‘불꽃놀이’였다. 녹슬지 않은 기교와 감각으로 전 세계 무대를 누볐던 레온스카야의 존재감은 공연 뒤에도 무대 위에 남았다.
글 류태형(음악 칼럼니스트·대원문화재단 전문위원) 사진 성남아트센터
앙상블 아트하우스 17 리사이틀
복원을 넘어 현재의 언어로
10월 10일 오후 5시 고양아람누리 아람음악당
시대악기를 연주한다는 것은 당시 음악적 관습과 표현 양식을 이해하고, 그 음악이 지닌 성격을 오늘의 무대에서 어떻게 구현할 것인지 고민하는 과정이다. 더불어 역사주의 연주는 연주자의 해석을 통해 음악의 의미를 현재에 되살리는 것이다. 다만 연주자들이 품은 고민의 깊이가 관객에게 어느 정도 가닿을 수 있는지는 또 다른 문제다.
이번 공연에서 만난 고음악 앙상블 아트하우스 17은 고전적인 화두에 자신들만의 방식으로 답을 건네는 앙상블이었다. 하프시코디스트 겸 음악감독 미하엘 헬, 오페라 연출가 토마스 회프트, 비올라 다 감바 연주자이자 프로듀서인 게오르크 크로나이스로 구성된 이들은 음악과 연출을 결합한 무대를 선보이며 낯설지만, 신선한 충격을 안겨주었다. 아트하우스 17은 1부 ‘에겐베르크의 소리’, 2부 ‘리멤버 미’로 구성된 프로그램을 고양아람누리 무대에 올렸다.
궁정의 음악에서 발견한 극적 생동감
1부는 앙상블의 근거지인 오스트리아 그라츠 외곽 에겐베르크 궁전과 관련된 작품들을 중심으로 펼쳐졌다. 비버의 ‘교회와 궁정을 위한 소나타집’ 중 소나타 1번으로 막을 열었다. 트럼펫의 화려하고 자극적인 음향이 홀을 채우는 과정에서 초반에는 현악군과의 음량적 밸런스가 다소 불균형하게 들리는 찰나도 존재했다. 그러나 연주가 거듭되면서 홀의 음향에 귀가 익숙해지자 악기 간의 균형도 잡혀갔다. 오히려 서로 다른 악기의 음색이 대비를 이루면서도 하나의 음악 안에서 조화를 만들어내는 과정이 인상적이었다.
이어진 란디의 ‘어서오라, 죽음이여’, 바흐 칸타타 82번 중 ‘이제 잠들라, 그대 지친 눈이여’ 등 죽음을 노래하는 감미로운 아리아들은 감정적 동요를 불러일으켰고, 이어진 슈멜처의 춤곡들에서 보여준 생동감 넘치는 리듬감과 특유의 에너지 역시 인상적이었으나, 1부의 미학적 정점은 헨델의 오페라 ‘아시스와 갈라테아’ 중 ‘지저귀는 아름다운 새들이여, 조용히 하라’였다. 음악감독 미하엘 헬이 연주한 리코더의 명료하고 경쾌한 음형은 새의 지저귐을 묘사하는 동시에, 소프라노 소피 테인먼이 부른 갈라테아의 선율과 절묘한 대위적 긴장감을 형성했다. 특히 리코더의 음색이 작품 속 상황을 묘사하고 인물의 감정을 부각시키는 방식이 인상적이었다. 고음악이라고 하면 흔히 엄숙하고 정제된 연주를 떠올리기 쉽지만, 이 무대는 음악 속에 담긴 극적인 요소와 유머를 생생하게 살려냈다.
떠남과 기억, 희망을 엮은 음악극
2부는 1부의 아카데믹한 성격을 넘어서서 완결된 하나의 음악극적인 구성을 취했다. 연주자들이 각자 선율을 연주하며 시차를 두고 한 명씩 등장했고, 20세기 초 유대인을 연상시키는 의상과 음악적 분위기가 어우러지면서, 이들의 고된 여정이 서서히 모습을 드러냈다. 연주와 무대 연출이 맞물리면서 연주자들은 저마다의 사연을 품고 길을 떠나는 사람들처럼 보였고, 관객 역시 자연스럽게 이 여정에 동참하게 되었다.
구성 역시 감정의 밀도를 고조시키는 세심한 배치가 돋보였다. 존 다울런드의 ‘자, 이제는 나 떠나야만 하네’와 로베르트 슈톨츠의 ‘왜 떠나냐고 내게 묻지 말아요’는 고향을 떠나야 했던 이들의 슬픔을 극적으로 드러냈다. 그 감정은 특정한 시대에 국한되지 않는 보편적인 감정으로 다가왔다. 이어진 헨리 퍼셀의 오페라 ‘디도와 아이네아스’ 중 ‘내가 대지에 묻힐 때’에서는 죽음과 이별의 정서가 더욱 깊어졌다. “나를 기억해다오, 하지만 내 운명은 잊어다오”라는 가사는 기억되고 싶은 마음과 자신이 겪은 고통만큼은 남기고 싶지 않은 마음의 모순을 통해 비통함을 선명히 드러냈다.
뒤이어 연주된 요한 쇼프의 ‘눈물의 파반’은 눈물이 뺨을 타고 흘러내리는 듯한 하행 선율로, 악기 소리만으로도 슬픔과 그리움을 깊이 전했다. 슬픔이 쌓여가던 중 울려 퍼진 헨델의 ‘메시아’ 중 ‘나팔 소리가 울리리라’는 고된 여정 끝의 희망을 암시했다. 앞서 1부에서 화려함과 존재감을 드러냈던 트럼펫이 희망을 상징하는 소리로 다가왔다. 이 희망에 답하듯 이어진 다울런드의 ‘다시 돌아와요’는 떠나온 곳과 남겨진 사람들을 향한 그리움을 노래하며 공연의 서사 속에 자연스럽게 녹아들었다.
마지막 마르코 우첼리니의 ‘베르가마스카 주제에 의한 아리아’는 반복되는 베이스 선율 위에 다채로운 독주 선율이 쌓이며 상처를 안고 살아가는 이들을 위한 위로를 건넸다. 곡이 연주되는 동안 연주자들은 한 명씩 무대를 떠났고, 관객은 어느새 그들의 무사 귀환을 바라고 있었다. 공연 속 여정에 마음으로 깊이 동행했기 때문일 것이다.
앙코르는 동요 ‘고향의 봄’이었다. 한국어 가사를 멋스럽게 소화하는 성악가의 노래에 감탄하기도 했지만, 시대와 장소가 달라도 고향을 그리워하는 마음만큼은 하나라는 사실을 담아낸 연출에 더욱 감탄했다. 앙코르곡이 연주되는 동안 2부에서 등장했던 사진들이 다시 제시되며 이야기가 삶의 흔적으로 연결되었다. 그리움이라는 감정이 더욱 생생하게 다가온 순간이었다.
아트하우스 17은 사랑과 상실, 그리움과 희망을 오늘의 감각으로 되살려냈다. 역사주의 연주가 연주자의 해석을 통해 새로운 의미를 창조할 수 있음을 보여준 공연이었다. 시대를 건너온 음악이 오늘의 우리에게 말을 걸고, 그 안에서 같은 감정을 공유할 수 있다는 것. 그것이 이번 공연이 남긴 가장 깊은 울림이었다.
글 강지연(바로크 첼리스트·콜레기움 무지쿰 서울 수석) 사진 고양아람누리·베이스노트
CLASSICAL MUSIC & PEOPLE
세종문화회관 ‘누구나 클래식’
가을밤을 담백하게 물들인 차이콥스키
10월 6일 오후 7시 30분 세종문화회관 대극장
박근태/국립심포니(협연 박재홍)
차이콥스키의 두 작품으로 가을밤을 수놓은 이날의 공연은 세종문화회관에서 기획하는 ‘누구나 클래식’의 일환으로 올랐다. ‘누구나 클래식’은 보다 많은 시민에게 클래식 음악 관람 경험을 제공하기 위해 마련된 사회공헌 프로그램이며, 1,000~10,000원 사이에서 관객이 비용을 직접 결정하는 ‘관람료 선택제’로 운영된다. 올해 ‘누구나 클래식’에 총 9개의 무대가 편성된 가운데, 일곱 번째 주인공은 지휘자 박근태와 국립심포니, 피아니스트 박재홍이었다.
음악가와 관객이 함께 만드는 무대
연주에 앞서 해설을 맡은 최은규가 먼저 등장했다. 해설에서 연주자와 작품 소개는 간결하게 끝맺은 반면, 오히려 강조된 부분은 ‘박수를 치는 타이밍’이었다. 공연장 박수와 관련한 언급이 늘어난 근래의 분위기를 인지한 듯싶었다.
공연은 차이콥스키 피아노 협주곡 1번으로 문을 열었다. 장중한 호른은 안정적인 시작을 알렸고, 박재홍은 육중한 화음을 터뜨렸다. 묵직한 터치는 오케스트라의 풍성한 선율과 조화를 이뤘는데, 연주 초반부터 그에게는 ‘담백함’이라는 인상이 묻어났다. 짧게 스치는 도입부 속 카덴차에서 그의 피아노는 모난 데 없이 매끄럽게 흘렀으며, 속주에서 쏟아내는 모든 음은 또렷하게 뻗었다. 앞으로 이어질 대장정이 기대되는 도입부였다.
박재홍은 전 악장 내내 담백하고 명쾌한 연주를 이어갔다. 군더더기를 덜어낸 흐름 속에서 그만의 해석이 도드라졌으며, 격정적인 패시지에서는 쾌활하게 질주했고, 서정적인 부분에서도 늘어짐 없는 정갈함이 오히려 선율미를 부각했다. 특히 3악장 피날레에서 그의 진가가 십분 발휘됐다. 40여 분 간의 막힘없는 질주가 눈부시게 끝맺자 관객들은 진심으로 환호했다. 앙코르에서 박재홍은 라흐마니노프 가곡 ‘이곳은 얼마나 아름다운가’의 피아노 독주 편곡으로 화답했다.
지휘자이기 이전에 피아니스트였던 박근태에게는 작품의 전반에 더해 피아노에 대한 깊은 이해가 묻어났다. 쾌감을 자아낼 만큼 정교했던 협연자와 오케스트라의 합은 그러한 이해에서 비롯된 듯했다. 국립심포니의 연주에도 작품에 대한 충분한 이해와 준비가 느껴졌다.
2부는 차이콥스키 교향곡 6번 ‘비창’으로 장식했다. 연주에 앞서 해설자는 “더더욱 박수에 신경 써야 하는 곡”이라는 당부를 재차 이었는데, 마치 곡이 끝난 듯한 착각을 일으키기 쉬운 3악장, 마지막 음을 마친 이후에도 긴 시간의 침묵이 필요한 4악장이라는 작품의 특성 때문이었다. 그 가운데 인상적인 한마디가 덧붙었다. “성공적인 연주를 위해서는 관객 여러분의 도움이 필요합니다.” 공연장은 연주자와 관객이 함께 호흡하는 공간이라는 사실을 다시 새기도록 만든 한마디였다.
‘비창’은 1악장부터 비극적인 색채를 자아내는 주제들이 등장하지만, 박근태는 오히려 이 주제들을 ‘처음부터 다 보여주면 재미없잖아’라고 말하듯 덤덤하게 풀어나갔다. 호소를 덜어낸 절제된 음악이었지만, 그 속에서도 폭넓은 범위를 오간 다이내믹의 진폭은 충분한 감정의 파고를 불러일으켰다. 비극의 색채가 잠시 순화되는 2·3악장을 거치며 그가 전 악장에 걸쳐 큰 그림을 그려내고 있다는 인상이 명확해졌다. 환희의 감정이 지배적인 3악장에서도 그는 점진적인 서사를 쌓았다. 응축됐던 모든 감정은 4악장에서 터져 나왔다. 비통함을 쏟아내는 현악기는 기대 이상의 강렬함을 내비쳤고, 총주에서 압도적인 에너지가 분출됐다. 1부부터 농도 짙은 음색을 선보인 더블베이스는 곡의 말미에 진한 여운을 남겼는데, 해설자의 당부를 새긴 관객들은 지휘봉이 내려가기 전까지 침묵을 유지하며 온전한 잔향을 유지했다. 커튼콜 뒤에 이어진 앙코르에서는 본 공연에서 참았던 박수를 마음껏 터뜨려도 괜찮다는 듯, ‘비창’ 3악장의 후반부를 다시 연주했다.
자칫 단편적인 감정에 매몰되기 쉬운 두 작품은 ‘담백함’을 내세운 두 인물에 의해 한층 진한 여운으로 남았다. 더불어, ‘관객의 역할’에 충실하며 함께 무대를 완성한 시민들은 이 공연에 뜻 깊은 의미를 더했다.
‘누구나 클래식’에 매료된 두 관객과의 대화
이번 공연에서는 특별히 평소에 ‘누구나 클래식’을 애용하는 두 관객 이혜경과 임남향의 이야기를 함께 들어볼 수 있었다. 이혜경은 매월 한 두 차례 공연을 관람하며 클래식 음악은 세달에 한 번꼴로 찾는다고 밝혔으며, 임남향은 관람 횟수가 연 90회를 웃도는 수준으로 공연을 찾아다니며, 클래식 음악은 그중 절반 가까이의 비중을 차지한다고 얘기했다. 공연 관람 스타일에 확연한 차이를 보이는 두 관객이지만, 그들은 공통적으로 ‘누구나 클래식’ 프로그램에 대한 긍정적인 인식을 가지고 있었다.
이혜경(좌) · 임남향(우)
‘누구나 클래식’의 특별한 점이 있다면?
이혜경 누구나 클래식’은 내가 클래식 음악에 관심을 가진 이후로 이 장르를 이해하는 데 가장 많은 도움을 준 프로그램이다. 우선 비용의 부담이 덜하니 접근하기에도 어려움이 없고, 또 공연 전에 짤막한 해설이 덧붙이니 작품을 이해하기도 용이했다. 비용에 비해 정말 양질의 공연을 선보이는데, 가격 상한선을 더 올려도 아무 문제가 없을 것 같다.
임남향 평소에 지인들에게 클래식 음악 공연을 많이 추천하는 편인데, 사실 초심자 입장에서는 ‘가격’이라는 허들을 무시하기는 어렵다. 그런 의미에서 ‘누구나 클래식’은 부담 없이 그들에게 권하기가 좋더라. 제공되는 공연의 수준도 상당하니 이만큼 좋은 입문이 있을까 싶다.
오늘 공연은 어떻게 감상했는가?
이혜경 피아니스트 박재홍의 연주에 마음이 풍성하게 채워진 기분이다. 피아노가 정말 어려워 보이던데 경이로움도 함께 느껴졌다. 최근 들어서는 오케스트라 공연을 관람할 때마다 지휘자를 관심 깊게 들여다보곤 했는데, 협연자와 지휘자가 눈빛을 주고받으며 소통하는 모습이 꽤 인상 깊었다. 오늘 공연에서 지휘자를 보며 ‘지휘자는 그 자체로 하나의 악기’라는 생각이 강하게 들었다. 지휘를 잘 모르기에 뭐라 표현하기는 어렵지만, 박근태의 지휘는 최소한의 움직임 속에 많은 것을 담았다는 생각이 들더라. 아직까지 다뤄본 악기가 없는데, 악기를 새로 배워서 저렇게 음악을 이루는 공간 속에 들어가 보고 싶다는 생각도 들었다.
임남향 피아니스트 박재홍은 이전부터 실황으로 몇 번 접하며, 눈여겨보던 연주자였다. 그래서인지 솔직히 가장 처음에 눈에 띈 건 저번과는 달라진 헤어스타일이었다.(웃음) 그렇지만 무대가 시작되니 그런 부분은 생각나지 않더라. 오늘 공연에서의 박재홍에게는 내가 이전에 그의 연주를 감상하며 기대했던 것 이상의 강렬한 힘이 느껴졌다. 건반 한 음 한 음이 생생하게 살아있는 느낌이었다. 하지만 이번 공연에서의 정말 큰 수확은 지휘자 박근태를 새롭게 알게 된 것이다. 차이콥스키 ‘비창’은 아직 제대로 된 실황을 들어보지 못해서 작품 자체만으로도 많은 기대를 품고 감상했는데, 박근태의 지휘는 사람을 사로잡는 힘이 있더라. 앞으로도 계속 그의 무대를 찾아볼 것 같다.
글 최성혁 기자 사진 세종문화회관
PERFORMANCE INFORMATION
세종문화회관 ‘누구나 클래식’
여자경/대전시향(협연 김규연)
11월 10일 오후 7시 30분 세종문화회관 대극장
그리그 피아노 협주곡, 라흐마니노프 교향곡 2번
정주영/원주시향(협연 김다솔)
12월 1일 오후 7시 30분 세종문화회관 대극장
베토벤 피아노 협주곡 5번, 브루크너 교향곡 4번
Contemporary Music
서울국제공연예술제 ‘세 번째 전쟁’
과잉의 미학, 혹은 감각의 마비
10월 16·17일 아르코예술극장 대극장
박본(각본·연출)/임선혜·김하은·김효종·전태현·강애심(출연)/김성진(지휘)/앙상블 블랭크·노이 오페라 코러스 외
한국계 독일인 연출가 박본(1987~)이 극작과 연출을 맡은 ‘세 번째 전쟁’은 형식적으로 다양한 표현 수단이 동원되었다. 전쟁이라는 거대한 주제의 복잡한 모순과 불확실성을 파고들기보다는, 이를 둘러싼 미디어와 선전, 정치적 권력과 국가 간 경쟁, 한국의 계엄 등 수많은 이슈를 한꺼번에 끌어들이고 자극하는 쪽에 가까웠다.(10월 17일 관람)
현대 사회에서 인간이 세계를 이해하는 방식은 점점 더 자신이 직접 경험하고 판단한 결과보다 미디어가 매개하는 이미지와 정보에 의해 좌우된다. 전쟁이 발발하면 개인은 집단의 정체성과 논리에 따라 행동하도록 압박받고, 다른 집단의 구성원을 개별적인 인간으로 받아들이기보다 ‘적’이라는 추상적인 범주로 인식하게 된다. 작품은 이러한 현실을 비현실적인 설정과 대중문화, 공상과학적인 상상력으로 뒤틀어 보여주었다. 특히 ‘음마할레’처럼 작품의 세계관 안에서만 통용되는 단어, 긍정과 부정 및 희망과 절망을 오가는 반전, 한국어와 외래어, 과거와 현재의 교차는 관객이 익숙하게 받아들이는 장면과 언어를 낯설게 만들었다.
작곡을 맡은 독일 출신 벤 뢰슬러(1985~)의 음악은 극적 의미를 확장하기보다 감정의 강도를 높이는 수단으로 기능하는 순간이 많았다. 그러나 소리가 매우 크고 격렬한 것과 음악이 설득력 있게 작동하는 것은 별개다. 강한 음향이 조성하는 긴장이 반복되고 누적되는 동안 새로운 의미나 극적 변화를 만들어내지 못한다면 관객에게 남는 것은 감정의 깊이보다 자극에 대한 피로감일 수밖에 없다.
한국어를 모국어로 사용하지 않는 작곡가가 한국어 가사를 음악에 얹으면서 생기는 문제도 간과하기 어렵다. 한국어의 음절 구조와 강세, 발음의 길이, 억양이 음악적 흐름과 자연스럽게 결합하지 못할 경우, 언어와 음악 사이에는 미묘한 어긋남이 발생한다. 물론 말과 음악이 서로 다른 감정을 전달하면서 하나의 장면을 여러 층위에서 해석하게 만드는 것은 음악극에서 활용될 수 있는 중요한 기능 중 하나다. 하지만 의도된 불일치와 표현상의 부자연스러움은 구별되어야 한다. 공연이 끝난 뒤에도 차이콥스키의 ‘호두까기 인형’ 중 ‘꽃의 왈츠’를 연상시키는 주제 선율과 당김음을 활용한 라이트모티프는 분명하게 기억에 남았고, 마지막 전투 장면 이후 삽입된 박진영의 ‘배드 걸 굿 걸’이 귓가에 맴돌았다.
‘세 번째 전쟁’은 연극과 오페라, 음악과 신체, 기술과 환상을 결합하려 한다. 박본과 뢰슬러의 작업은 배우 강애심의 연기와 성악가 임선혜·김하은·김효종·전태현의 열창을 병치했고, 작품 속 소재들이 하나의 극적인 논리로 수렴하지 못하고 전달하고자 하는 문제의식을 오히려 흐리게 만들 위험이 있었다. 하지만 역설적으로, 관객의 감각을 압도하고 판단을 마비시키는 이러한 무대의 과잉은 전쟁의 속성과 맞닿아 있다. 전쟁은 폭력만으로 인간을 지배하지 않는다. 넘쳐나는 정보와 상충하는 서사, 공포와 선동을 통해 무엇을 믿고 판단해야 하는지조차 알 수 없게 만든다. 그런 점에서 작품에 담긴 여러 과잉된 요소는 결과적으로 전쟁의 감각을 재현하는 장치로 기능했다.
글 성용원(작곡가) 사진 서울국제공연예술제(SPAF)
